ここ2,3年で画像生成AI、もしくは動画生成AIの進歩が著しい。

さて、そこで僕らデザイナーの関心は

画像生成AIでデザイナーは職を失うか？

というところではないだろうか。

現時点での僕の答えを簡潔にいうなら、アシスタントレベルのイラストレーター、デザイナー、デザインの言語化が苦手なデザイナーは、今後AIに職を奪われる可能性が高い。というものである。

まず、ここ1ヶ月ほどさまざまな画像生成AIを触って感じたのは、画像生成AIはすでに大きくクリエイティブのフローを変える力を持っているが、その一方でまだまだ世の中からデザイナー・イラストレーターを一掃するほどの絶対的な力はない。ということである。

端的に表現すると画像生成AIは、察する能力は低いがおそろしく作業の速い部下という印象である。デザインリーダーがジュニアデザイナーに指示を出す時と非常に似ている。この人にはこういう言い方をしないと伝わらない、この人には言葉より図で伝えた方が伝わる。など結局相手に応じて適切な何が適切な伝え方なのかを指示を出す側が学んで適切に使い分けないと、望んでいるアウトプットは出てこないのである。

画像生成Sora、Midjourney、Photoshop（Firefly）それぞれの特徴を挙げてみると次のようになる。

Sora

Soraはもっとも図での説明が伝わりやすい。白黒で軽くラフを描いて「イラスト調に仕上げて」「写実的な絵画テイストで仕上げて」と指示を出すとかなり良い結果が出てくる。しかし一方で、「女性の服をスカートにして少しローアングルで」としただけで拒絶してくるぐらいエロ系コンテンツには抵抗があるようだ。

Midjourney

Midjourneyはすでに決まっている構図で特定の人やキャラクターを置き換えたり、狙ったスタイルに変更したりする場合にをもっとも力を発揮する。またPhotoshopやSoraのように暴力やエロ系にも抵抗を示さない点も使いやすい。一方でMidjourneyに構図を指示するのは至難の技である。右側、左側ぐらいなら言葉で明確に指示を出せるが、複雑な構図になるとお手上げである。

Photoshop(Firefly)

Photoshop（Firefly）は出てくるコンテンツの質は一番低い。また、暴力系のコンテンツを拒否するので、戦争シーンなどを描きたい場合には使えない。手や足、髪、空など一般的なパーツの微修正に使うのが良さそうである。

いずれにしても完璧なアウトプットが出てくることはありえない。画像生成AIをうまく使いながら最終的にはPhotoshopやAffinity Designer等で調整することになるだろう。どこまで指示を出してAIに生成してもらい、どこからが自分で手を動かすべきかの判断が作業効率を考える上で重要になってくるだろう。

つまりまとめると、上でも述べたようにアシスタントレベルのデザイナー・イラストレーターは今後不要になっていくだろう。一方で、つくりたいデザインの完成系を明確にイメージしながらも、予算や時間の都合等からイラストレーターや写真家に発注できずにあきらめてきたアートディレクターレベルの人にとっては、画像生成AIは大きな力となるだろう。

デザイナーは良いモニターを使うべきか。

少なくとも今まで一緒に働いてきたデザイナーのなかでは良いモニター信仰の人間が多かった印象である。僕の答えは月並みで申し訳ないが「場合による」となってしまう。ただ、良いモニターがいつもベストな選択肢とは限らないのは間違いない。

例えば、DTPデザイナーであれば最終的な出力の色とモニターの色を可能な限り合わせた方がいいだろう。つまり色の再現性が高い良いモニターを使うべきだ。同じように、iPhoneアプリを作っているなら、Macのモニタでデザインした方がいいだろう。

当たり前のことではあるがターゲットユーザーがそのデザインを見るであろう環境と可能な限り合わせてデザインを作るのが最善ということだ。

つまり、良くないモニターの方がいいデザイナーとはWebデザイナーである。高品質なモニターで綺麗な色を再現しても、ユーザーがそのデザインを閲覧するであろう安価なモニターで意図した色味が再現できないのであれば、そのデザインにほとんど意味はない。

最近あまりこの議論を聞かなくなったのは、一時期は半分ほどを占めていたWindowsでデザインするデザイナーが、減ってきたせいだろうか。Macbookや一体型Macであれば、モニターを選択する機会すらめったに生じないのである。

トレンド、つまり流行を知ることはデザイナーに限らず様々なシーンで求められる能力である。個人としても組織としても、早めに流行を知ることができればより早くユーザーのニーズを掴むことができるし、早めに流行に合わせた製品やサービス開発に時間やリソースをかけることができる。

され、では流行を知るにはどうしたらいいのだろう。今の流行を知るのはそれほど難しくはないが、未来の流行を知るにはどうするべきだろう。

もちろん未来を完璧に予想することはできないが、比較的高い確率で予想することはできる。次の二つの視点で過去を振り返れば、未来もある程度予想可能なのである。

• 短期的には反転を繰り返す
• 長期的には良くなる

反転を繰り返すというのは過去の歴史の様々な出来事を振り返ればわかりやすいだろう。アールヌーボー時代の次にアールデコが来たのなどはかなり古い例だが、ここ数十年の動きに限って言えば、UIデザインの流行などはその好例といえる。リアルを追求したスキューモーフィズムの後に、単純化したフラットデザインの流れがやってきて、その後再びわかりやすさをやや重視のために立体感を追加したマテリアルデザインへと移っていったのである。

そもそもこのような流行の変化はなぜ起きるのか、それは個人や組織が抱きがちな2つの思いに由来する。

• 〇〇っぽくありたい
• 〇〇のなかで目立ちたい

立ち上げたばかりの会社を想像するとわかりやすい。彼らが最初にやりたいことの一つは会社として立派なロゴを作ることである。このようなときにロゴデザインは会社のロゴっぽいデザインになる。なぜなら信頼に足るしっかりとした会社っぽく見られたいから。これが〇〇っぽくありたいの例である。周囲と同じ行動、つまり右へ倣えは安全や信頼獲得を考えたときには非常に論理的な選択なのである。

ただ、右へ倣えは安全や信頼獲得のためには正しい選択でも、成功のためには必ずしも正しいとは言えない。なぜなら競合の多い世界では、成功のためには目立たなければならないからである。これが○○のなかで目立ちたいという思いである。

〇〇っぽくありたい人や組織は流行のど真ん中を狙う一方で、〇〇のなかで目立ちたい人たちは流行からあえて外すのである。

しかし、流行からあえて外した人や組織が成功者として認知されると、その後大多数がそれに倣うこととなり新たな流行となるのだ。このようにして流行は反転を繰り返すのである。

ただし、同じ箇所を行ったり来たりしているわけではない、反転を繰り返す過程で、本当に不要なものは少しずつ削ぎ落とされ、時代や文化、技術の進歩のなかで新しく必要になっった要素が少しずつ取り入れられていくのだ。これが長期的には良い方向に向かう理由である。

こうやって様々な世の中の出来事を振り返ると、5年後、10年後、どんな方向に向かうか予想ができるのではないだろうか。

デザイナーとしてもっと早く知っておきたかったことは何か？と聞かれたら、迷わずムードボードの使い方と答えるだろう。これを聞いて同意できない方はきっとムードボードを使い方やその秘めたる力を知らないのではないかとさえ思う。

ムードボードとは何か。定義するなら、向かうデザインの方向に近いデザインを集めたものとなるだろう。

基本的に僕が勧めるムードボード作成は、依頼主と一緒に作るものであり、流れは次のようになる。

• 1.デザインの言語化
• 2.ムードボード作成
• 3.デザインの再言語化
• 4.ムードボード調整
  以降3, 4の繰り返し

最後の3.デザインの再言語化と4.ムードボード調整は、精度がこれ以上上がらないというところまで繰り返すといいだろう。長くても1時間程度で終わるはずである。場合によっては、通常の向かうべきデザインを集めたムードボードだけでなく、惜しいムードボードも作るといいだろう。自分がかなり高い形でこちらも用意する。

惜しいムードボードとは向かいたいデザインから際どく外れたデザインを集めたものである。ムードボード作成・調整のためにデザインを収集している際に、依頼主から「近いけどちょっと違うかな」みたいな言葉で却下されたデザインがここを集める。さらにその際、ストライクゾーンからどの方向になぜはずれているのかを確認するといいだろう。そうすると、ちょっと女の子っぽすぎる、とかちょっと色使いがおとなしすぎる、とか意見が出るだろう。

最終的にこのような流れを経て、ムードボードと場合によっては惜しいムードボード（実際にはGoodデザイン、Badデザインと名付けてしまうことが多い）が作成できればムードボード作りは完了である。

ちなみに僕自身はこの作業をPinterestを使用して行うことが多い。選択したデザインと近いデザインを表示してくれて、コメントもつけられるPinterestはムードボード作りに大変役立つツールである。

ムードボード作りのメリットは2つある。

• 1.デザインを作らずにデザインの方向性を高い精度で確認できる
• 2.依頼主の中のデザインを固める

1は言うまでもないだろう。言うまでもないことだが、ムードボードを作らないと無駄に却下される案作りに時間を費やすことになり、僕自身も昔はそんな無駄デザインをたくさんやっていたし、今でもやっているデザイナーは多いだろう。

ただし、むしろムードボードの効果として多くの人が見過ごしがちなのは2の依頼主の中のデザインを固めるの方である。そもそも依頼主は非デザイナーであることが多く、作りたいイメージがデザイナーが思っている以上にぼやっとしたまま依頼していることが多い。

ぼやっとしているからこそ、かっこいいデザインに出逢ったら「カッコイイデザインにしてほしい」と言いたくなるし、かわいいデザインに出逢ったら「かわいいデザインにしてほしい」と言いたくなるのである。

ムードボード作りは、そんな依頼主のぼやっとしたイメージを少しでも具体的な方向へ固めるためにこそ最高に力を発揮するツールなのだ。

クライアントの言うことがころころ変わる、というのはよくデザイナーが口にする不満だが、そんなときは依頼主が悪いから良いデザインができない。と嘆いて投げ出したり適当なデザインを出すべきではない。ムードボードを使ってデザイナーがうまく依頼主を導ければその問題は解決するのである。

UIデザインはエンジニアとの共同作業であり、多くの場合デザイナーがデザインを作り、それをエンジニアが実装するという流れで進む。しかし、常にエンジニアとデザイナーの作業量のバランスが取れているわけではない。

悩ましいのはエンジニアが忙しいが、デザイナーの手が空いている時である。そんなときありがちなのが、

実装は先になってしまうが、先にデザインだけ作っておこう

という展開である。リソースを有効利用しているように聞こえるこの提案は、残念ながら多くの場合、不幸しか招かない。

問題は、そのデザインを作るデザイナーもそのほかの関係者も、このデザイン作業を急ぐ必要がないということをわかっているという点である。デザイン作業に限ったことではないが、効率よく作業を完遂するために適度な締め切り設定ほど重要なものはない。締め切りまでの時間が短が過ぎれば成果物の質を落とさざるを得ないのは明らかである。

しかし、逆に締め切りまでの時間が長ければ良いかというとそんなことはない。個人としても組織としても必要以上に修正や試行錯誤を繰り返すこととなるだけである。結果、リソースの無駄遣いだけでなく、デザイナー自身のモチベーション低下にも繋がることさえある。

最悪の場合、せっかく作成したデザインがお蔵入りすることもある。なぜなら実装の目処が経った頃には、デザインしたときとはビジネスやサービスの状況が変わっていて最初から考え直さなければならないこともあるからである。

デザイン作業とは発散と収束を経て完成になる。時間があればいくらでも発散することができるが、その一方で永遠に完璧には辿り着けないのもデザイン作業の特徴である。時間をかければ良いものができる、というのは間違ってはいないが、気をつけなければいけないのは、費やした時間に比例してデザインがよくなるわけではないということだ。

結局、作成したデザインが望んだ効果を生むかは、リリースするまで誰にもわからないのである。時間をかけ過ぎずに適度なタイミングでリリースするべきなのだ。

では、デザイナーの手が空いて、エンジニアが忙しい時、デザイナーは何をすべきか。そんなときこそ、デザインシステムなどのデザイン環境の整備や、社内へのデザイン文化の布教活動に時間を使うべきである。

どこの書店にもデザイン関連の本を扱ったエリアがある。大部分が簡単に見た目を良くするための工夫だったりと、どちらかというとデザイン初心者向けの本で、ターゲットとなるのはせいぜい5年程度までのデザイン経験を持つデザイナーか、またはちょっとデザインをかじってみたい非デザイナーだろう。

どれも一冊1,500円から2,000円程度するので、デザイナーになりたての頃は頑張って買って読んだかもしれないが、デザイナーとして経験を重ねるに従って、内容も知っていることばかりになるので、次第に遠ざかっていくことだろう。

しかし、初心者を脱したかけたデザイナーにこそ、このようなデザイン本をこれまでとは異なる視点で読むことをお勧めする。なぜなら、デザイン書籍には、デザインを説明するための言葉が詰まっているから。

そもそもデザイナーの求められる能力とは何か。デザイナーとして最初に求められるのはもちろん一般的なデザイン作成能力、つまり見た目を良くする能力である。そして、その後、経験を積むに従って徐々にビジネス目標とデザインをより密接に関連づけるための橋渡しとしての役割も求められていく、つまりデザインを非デザイナーに説明するコミュニケーション能力である。

ここでデザインを説明する語彙が必要性が強くなってくる。デザインに限った話ではないが、「伝える」とは、自分の言葉で語ることではない。相手の理解しやすい言葉を選んで感覚的に理解させることである。そのためには自分の説明スタイルを一つ持っていて常にそのスタイルを貫いたところでまったく意味はない。言葉や表現を相手や状況に応じて使い分けなければならないのだ。

そんなデザインを表現するための語彙がデザイン本には詰まっているのである。デザイン本を見ながらデザインでなく言葉を覚える、という矛盾した行為だからこそ見過ごしがちであるが、ぜひデザインコミュニケーション能力向上の手段として選択肢に入れていただきたい。

デザインを考えるときにデザイナーは常にバランスを考える。形のバランス、色のバランスなど、バランスはデザインを始めると最初に意識することと言ってもいいだろう。バランスをしっかり考えるからこそ綺麗なデザインが出来上がるのである。

しかし、残念ながら良いデザインとはバランスの良さだけで成り立つものではない。もちろん、それは何をどんな目的でデザインするかによって大きく変わる。例えば、毎日触れるようなアプリのUIであれば、綺麗でシンプルなデザインの方が飽きず長く使ってもらえるだろう。一方で、わずかな接点から行動を起こさせるバナー広告などは、綺麗でバランスが良いだけではなかなか記憶に残らない、もちろん結果にもつながらない。

そこで考えるべきがテンションである。バランスだけでなくテンションを使いこなしてこそ良いデザインを生まれるのだ。

テンションを一言で説明するのはなかなか難しいが、人間はどんなときに行動を起こす必要性を感じるか、つまりどんなときに焦るかを考えるとわかりやすいだろう。それは誰かが怒ったり泣いたりしているとき、何かが倒れたり崩れたりしようとしているときである。

自分が最もテンションの説明としてわかりやすかったのは次のようなものである。

テンションとバランスの違いが伝わっただろうか。

こちらの記事ではテンションという言葉を使ったが、動きのあるデザイン、物語（ストーリー）のあるデザイン、などの言葉も同じようなことを指すと考えていいだろう。

デザインを作る際、今作っているデザインにテンションがあるべきか、テンションが込められているか、を常に考える癖をつけるといいだろう。